Qué ver en las galerías de Nueva York en abril

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¿Quieres ver nuevo arte en la ciudad? Vea los lienzos tonificantes de Helen Lundeberg y las cerámicas biomórficas de Erin Jane Nelson en TriBeCa, y los fotomontajes de Sarah Palmer en Queens.

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Por Holland Cotter, John Vincler, Travis Diehl, Max Lakin, Blake Gopnik, Seph Rodney y Martha Schwendener

tribeca

Hasta el 6 de mayo. Bortolami, 55 Walker Street, Manhattan; 212-727-2050; www.bortolamigallery.com.

En la década de 1930, la modernista angelina Helen Lundeberg presentó un estilo conocido como Post-Surrealismo, un movimiento disidente estadounidense destinado a moderar las imágenes más extrañas de la versión europea (pero no mucho; uno de sus primeros esfuerzos incluye una llave inglesa arrancando un clavo marchito de un estanque carmesí). Por el contrario, los ‌10 lienzos ‌aquí comparten más con la tensión del trabajo que Lundeberg creó contemporáneamente como muralista de la WPA en el sur de California: abstracción geométrica de líneas duras representada en colores lujosos que delinean zonas domésticas. Pero el sentido del espacio de Lundeberg no era del todo rígido, dejando espacio para que la psicogeografía del surrealismo acechara en sus rincones.

Realizada entre 1952 y 1975, la selección aquí se centra en bandas de color vertical, tonos suaves marcados hacia arriba o hacia abajo en el espectro para lograr una interacción enigmática de sombra, planitud y profundidad: una extraña sensación de percepción espacial que choca el clasicismo con las dimensiones ilógicas de de Chirico, sus arcadas vacías atravesadas por la luz sepia-smog de ‌Los Ángeles‌.

Cuando los campos uniformes de Lundeberg se rompen, lo hacen con un efecto seductor: puntuados por bodegones tridimensionales, como en dos versiones del mismo arreglo llamado "El espejo y la concha rosa". La pintura anterior, de 1952, parece borrosa, su pincelada es legible, mientras que la versión posterior, comenzada en el mismo año pero no completada hasta 1969, se enfoca, sus campos suavizados y amplificados. Esta viñeta, una silla simple, un espejo que refleja una bombilla desnuda, fue una a la que Lundeberg volvió durante más de ‌30 años, los contornos de su vida destilados en el plano metafísico. MAX LAKÍN

tribeca

Hasta el 6 de mayo. Chapter NY, 60 Walker Street, Manhattan; 646-850-7486, chapter-ny.com.

Las cerámicas de Erin Jane Nelson parecen curiosamente vivas, no como criaturas reconocibles, sino como formas biomórficas, tal vez microorganismos ampliados a un tamaño visible. Montados en la pared, tienen formas irregulares y curvas y tentáculos cortos y delgados. Casi siempre están agrupados, en parejas o en grupos más grandes, como si cada uno dependiera de los demás para su existencia.

Si ha visto algunas de estas piezas antes, como en la contribución de Nelson a la Trienal del Nuevo Museo de 2021, puede que no le sorprenda que su exposición actual, "Sublunary", se haya inspirado en el pantano de Okefenokee. Hay una oscuridad intencionada en el trabajo de este artista con sede en Atlanta, que también es curador y escritor. Las creaciones de Nelson rara vez son una cosa u otra, sino híbridos que prosperan en el medio.

"Sublunary" muestra las consecuencias de una actuación privada que Nelson realizó en múltiples visitas al Okefenokee. Hay sedas acolchadas con fotografías; un conjunto de 365 montículos de gres vidriado titulados, en conjunto, "Cronomicrobioma" (2023), que podrían representar una especie de calendario abstracto y ritualizado y las cerámicas fijadas a la pared, que aún me intrigan más. Tienen bordes y están cubiertos con una capa transparente de resina similar al agua, por lo que mirarlos recuerda mirar en una serie de piscinas poco profundas.

¿Qué hay adentro? Minimontículos esculpidos, flores y hongos; patrones multicolores; y fotografías reales, a veces de Nelson. Si estas obras de arte complejas estuvieran vivas, las imaginaría como omnívoros que nadan o se escabullen, acumulando fragmentos de pantano y rastros de las experiencias de Nelson a medida que avanzan. JILLIAN STEINHAUER

SoHo

Hasta el 13 de mayo. Ulterior, 424 Broadway, #601, Manhattan. 917-472-7784; ulteriorgallery.com.

Nunca había visto acuarelas como las de Mamie Tinkler. Las naturalezas muertas de "A Troubling", su segunda exposición individual en Ulterior Gallery, representan textiles densamente estampados, plumas de colores inusuales, espejos, calaveras, rocas curiosas, globos de vidrio y llamas crepitantes. Todas estas cosas se desvanecen imperceptiblemente en parches de color saturado que a veces se leen como continuaciones de las imágenes, como fondos de terciopelo rojo, por ejemplo, o sombras negras profundas, y a veces como una relajación hacia la abstracción. El contraste entre los detalles reproducidos con precisión y los bordes naturalmente suaves de la pintura es sutil, pero se registra como un trasfondo de tensión, incluso de angustia. Es como si Tinkler estuviera usando su medio contra sí mismo.

Esta tensión me pareció muy apropiada en un momento en que muchas viejas certezas se están desvaneciendo. Cosas que solían parecer sólidas, como la ciencia, el periodismo, la plataforma de hielo del Ártico o la democracia liberal, comienzan a parecer más como apariciones pasajeras. Pero también dice algo sobre la percepción y el conocimiento. En la pieza que da título al espectáculo, un pinzón dorado se posa en una ramita sobre un globo celeste azul. Encima y al lado, como reflejos o posiblemente familiares, dos pinzones más descansan sobre dos globos más, sus puntos destacados indicados por círculos más grandes o más pequeños de papel blanco sin pintar. La ramita "real", al frente, está suelta y borrosa, como una visión o un sueño; la sombra que proyecta es tan nítida como una hoja de afeitar. HEINRICH

reinas

Hasta el 6 de mayo. Sra., 60-40 56th Drive, Maspeth, Queens; 347-841-6149, mrsgallery.com.

La fotografía estaba bien encaminada para convertirse en el productor de imágenes del milenio; luego llegaron los teléfonos inteligentes. Ahora estamos tan inundados de imágenes que los artistas tienen que trabajar como archivistas para abrirse camino en el pantano. Sarah Palmer, una artista con sede en Brooklyn, hace esto usando imágenes de catálogos antiguos, archivos de la Biblioteca Pública de Nueva York, diapositivas compradas en eBay e imágenes generadas por IA para crear fotomontajes. Los resultados curiosos y asombrosos están a la vista en "The Delirious Sun" en Mrs.

El reciclaje y la reutilización son esencialmente el tema de la obra, inmediatamente evidente en el revoltijo y la yuxtaposición de fragmentos de imágenes. Pero Palmer se burla de algunas líneas, como la forma en que se representa el cuerpo femenino en la fotografía. En "Age of Earth and Us All Chattering" (2022), un ensamblaje teñido de un naranja espeluznante, fotos recortadas de un catálogo de bondage vintage se sientan junto a una representación de IA de una rubia vivaz. Las imágenes de la revista bondage están pegadas con cinta rosa fuerte a una fotografía de paisaje del oeste americano tomada por Palmer y refotografiada. "Under the Tangled Forest" (2023) rima visualmente con cabello humano, cinta adhesiva y cintas; otras obras presentan una escultura de un torso femenino y primeros planos del vientre embarazado de la artista.

Palmer codifica los códigos de la fotografía que nos dicen qué, cuándo y por qué se produjo una imagen, que es lo que también hace la IA. Sin embargo, al poner su propio cuerpo en la imagen, Palmer nos recuerda que hacer, elaborar y contemplar fotografías sigue siendo una empresa profundamente humana y encarnada, incluso en un momento en que las máquinas, una vez más, parecen estar tomando el control. MARTA SCHWENDENER

pueblo del oeste

Hasta el 29 de abril. The Kitchen at Westbeth, 163 Bank Street, loft del cuarto piso, Manhattan; lacocina.org.

Es difícil recuperar, en una exposición, la vibra fresca, experimental y actual del arte vanguardista del centro de Nueva York a principios de la década de 1970. Pero este espectáculo de cuatro artistas lo entiende. Organizado por The Kitchen, uno de los espacios alternativos más antiguos de la ciudad (fundado en 1971), e instalado en una galería con ventanas y estilo loft en Westbeth, el complejo de viviendas de artistas en West Village, el espectáculo es una evocación de dos Los "conciertos" de cocina se presentaron en diciembre de 1972 y abril de 1973. Como gran parte del trabajo más interesante de esa época, los eventos fueron interdisciplinarios y combinaron video y performance. Más radicalmente, fueron moldeados por lo que ahora llamamos política de identidad.

El título del programa original, "Rojo, blanco, amarillo y negro", hacía referencia a los antecedentes raciales y étnicos de los artistas colaboradores: Shigeko Kubota (1937-2015), nacido en Japón; la estadounidense blanca Mary Lucier; la nativa americana Cecilia Sandoval; y la afroamericana Charlotte Warren-Huey. Gran parte del trabajo en esas dos ocasiones se refirió a estas identidades de manera fluida y ligera, aunque en un momento en que el feminismo aún se dividía en líneas raciales, fue el simple hecho de la colaboración de los artistas lo que realmente abrió camino.

Por necesidad, la exposición actual también tiene un toque ligero. Algunas instalaciones han sido cuidadosamente recreadas, pero la mayor parte de lo que hay aquí es efímero: carteles de exhibición, reimpresiones de textos y cartas intercambiadas entre los cuatro artistas. Las cartas son maravillosas, un recordatorio de cuánto arte de la época era comunal, social, ad hoc, orgullosamente no comercializable. Después de la conclusión del proyecto, los cuatro participantes tomaron diferentes direcciones. Kubota y Lucier continuaron con sus carreras artísticas; Sandoval se hizo enfermero; Warren-Huey se dedicó a la enseñanza. Pero en la cocina, su unión breve y lúcida brilla intensamente. CHAVETA HOLANDA

Lado este superior

Hasta el 29 de abril. Galería Bertha y Karl Leubsdorf en Hunter College Art Galleries, 132 East 68th Street, Manhattan; 212-772-4991, www.leubsdorfgallery.org.

Wang Chi-ch'ien, o CC Wang (1907-2003), comenzó a pintar cuando tenía 14 años en China, pero prosperó en un ambiente muy diferente: Nueva York, a donde emigró en 1949. Wang fue el artista raro Versado tanto en el arte tradicional chino como en el modernismo radical. Copió a antiguos maestros chinos y practicó la caligrafía, pero también tomó clases en la Art Students League de 1949 a 1974 y estudió la obra de Cezanne, Matisse y Georges Braque. Lo que surgió en su trabajo, a la vista en "Líneas de abstracción" en la Galería Bertha y Karl Leubsdorf, fue una extraordinaria fusión de Oriente y Occidente, antiguo y contemporáneo.

Varios pergaminos colgantes copian o emulan a paisajistas chinos como Wang Meng, Dong Qichang o Ni Zan. Un paisaje urbano que incluye el antiguo estudio de la cochera de Mark Rothko muestra a Wang absorbiendo influencias cubistas. Además de aprender copiando (los maestros chinos hicieron esto explícitamente, a menudo para cimentar sus alianzas estético-políticas), como buen modernista, Wang innovó: usó papel fibroso para enfatizar las texturas geológicas en los paisajes, empleó sangre de buey como pigmento, o secó la superficie de la pintura con tinta aplicada sobre papel de arroz arrugado.

La caligrafía de Wang también se transformó. Inicialmente, citó obedientemente textos clásicos. Más tarde, los rollos de "caligrafía abstracta" se llenan de caracteres hinchados que marcan la línea entre el texto, la imagen y el diseño gráfico. Wang incluso usó la guía telefónica, esa vieja reliquia del siglo XX, para practicar su caligrafía. La danza de su pincelada sobre columnas rectilíneas de nombres y números formaba un maridaje perfecto entre la técnica tradicional y el Nueva York cotidiano. MARTA SCHWENDENER

chelsea

Hasta el 6 de mayo. Templon, 293 10th Avenue, Manhattan. 212-922-3745; templon.com.

En la década de 1990 y principios de la de 2000, las pinturas de Michael Ray Charles excavaron la fea historia de la juglaría anterior a la guerra con apropiaciones nerviosas de imágenes racistas ubicuas (los rostros grotescos y las sonrisas rictus de sambos y mamitas) y no siempre con una recepción apreciativa. Fue acusado de perpetuar dolorosos estereotipos cuando mucha gente hubiera preferido que permanecieran enterrados. Durante los últimos 20 años ha mostrado esporádicamente, sobre todo en Europa.

Las imágenes de la primera exposición de Charles en Nueva York desde entonces encuentran a un artista que aún emerge de ese pasado, pero con una apariencia más resbaladiza. Donde las representaciones degradantes de la actuación de juglares y la publicidad se replicaron a escala de confrontación, sin pestañear en su dureza, aquí su sabor amargo se mezcla con el ornamento. El busto de obsidiana brillante en "(Forever Free) Veni Vidi" (2002) se encuentra en un interior barroco ricamente decorado, un reconocimiento de las formas en que el racismo se suaviza en el trasfondo de la vida moderna.

Estas son pinturas contextualmente complejas, que incorporan ideas sobre la actuación (de género, raza, sexualidad) y la teatralidad de la identidad. Las caricaturas de rostros negros aún acechan en los lienzos, pero están aplastadas al estilo del arte callejero de pasta de trigo y empalmadas en bailarinas burlescas y dominatrices. Las figuras suelen estar a medio formar: rostros negros injertados en cuerpos blancos a los que les faltan extremidades o segmentos del torso, oscurecidos por máscaras gimp o africanas tachonadas con conchas de cauri, actuando en circos y mascaradas: una vertiginosa cascada de referencias históricas que revela la pesadilla de nuestra insaciable necesidad de extravagancia. Las metáforas pueden enredarse, pero la ecuación de Charles del racismo estadounidense con el entretenimiento es difícil de deshacer, una relación sadomasoquista que depende por igual del dolor y el placer. MAX LAKÍN

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Hasta el 29 de abril. Meredith Rosen Gallery, 11 East 80th Street, Manhattan; 212-655-9791, meredithrosengallery.com

¿Sientes que estás atrapado dentro de la tecnología actual?

¿Como si tu tecnología te hubiera convertido en un pretzel?

Al igual que sus aplicaciones, ¿lo han atado para un viaje que no quiere tomar?

Luego eche un vistazo a las esculturas de la artista sueca residente en Berlín Anna Uddenberg... para un resumen perfecto de cómo se siente.

Los tres objetos imponentes de Uddenberg en su espectáculo "Desayuno continental" en Rosen, tan inmaculadamente elaborados como cualquier prototipo industrial, parecen cruzar el asiento de un avión de primera clase, la máquina de pectorales de un gimnasio y la mesa de examen de un ginecólogo. En realidad, subirse a uno parece tener tantas posibilidades de causar daño corporal como de curar lo que te aqueja.

Pero incluso si estas esculturas nos invitan a pensar en máquinas y cuerpos, casi sentir esa interacción en nuestros músculos y huesos, también funcionan como una poderosa metáfora de a qué se enfrentan nuestros cerebros cuando la IA nos pide que nos fusionemos mentalmente con él. En los próximos meses y años, la inteligencia humana real se mezclará tanto con la artificial como nuestras extremidades podrían estar en una de las máquinas infernales de Uddenberg. BLAKE GOPNIK

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Hasta el 24 de junio. Gagosian, 821 Park Avenue, Manhattan; 212-796-1228, Gagosian.com

No puede haber muchos artistas cuyas obras sean tan famosas en los libros de texto y tan raramente encontradas como las de Chris Burden. No podemos esperar ver repeticiones de las actuaciones de la década de 1970 por las que lo clavaron a un Volkswagen Beetle o le dispararon en el brazo con un .22. Murió en 2015, e incluso cuando estaba vivo, fueron casos únicos. Pero esta rara muestra de Burden presenta otros ejemplos de las obras radicales de los angelinos de la década de 1970. Cambiaron los límites del arte, lo que hace que ahora parezcan "artísticos" y dignos de una galería.

El espectáculo reúne varias de las "reliquias" (término de Burden) destinadas a representar sus actuaciones: una vitrina vacía representa "Disappearing", una pieza para la que se esfumó durante tres días; un teléfono y una grabadora representan "Wiretap", para el cual Burden grabó llamadas con marchantes de arte.

También hay imágenes del tiroteo de Burden y de "Bed Piece", una actuación muy conocida que lo tuvo acostado en una galería durante 22 días.

Más sorprendentes son los "comerciales de televisión" de un minuto que permiten a Burden infiltrar el arte en la televisión abierta, después de comprar el espacio publicitario necesario. Uno de ellos, "Divulgación financiera completa", se encuentra en el género Business Art de Andy Warhol, y revela los números de los ingresos y gastos de Burden en 1976, y sus míseras ganancias. En "Chris Burden Promo", los nombres de artistas de fama mundial llenan la televisión uno tras otro: "Leonardo da Vinci", "Michelangelo", "Rembrandt", "Vincent van Gogh", "Pablo Picasso" y luego... "Chris Burden ." Ese nombre final alguna vez habría parecido una broma o una ilusión salvaje, pero ahora vive cómodamente con los demás. BLAKE GOPNIK

chelsea

Hasta el 22 de abril. Kasmin, 509 West 27th Street, Manhattan. 212-563-4474; kasmingallery.com.

Las pinturas de Jane Freilicher de finales de la década de 1950 son técnicamente abstracciones, aunque al igual que las de muchos de sus compañeros expresionistas abstractos de segunda generación, hablan con un tono figurativo, sus manchas deslavadas se resuelven en el paisaje abierto de Southampton en Long Island, donde pasó su tiempo. veranos Son menos una desviación de las composiciones tradicionales de escenas domésticas íntimas‌ (flores cortadas y bodegones) que estaba haciendo antes que una escala, y finalmente regresa a ellas.

Quizás el East End, con sus fantasmas de Pollock, aflojó el cepillo de Freilicher. Hay una tensión conmovedora entre la forma y el objeto en la docena de imágenes que se muestran aquí, óleos numinosos y pincelados realizados entre 1958 y 1962. menos el aire salado y los matorrales irregulares de las marismas de South Shore, sino invenciones de ellos, su memoria efervescente como la espuma del mar.

La dedicación de Freilicher a su tema pasado de moda es fascinante; ella nunca se cansaba de la vista lánguida desde su ventana: "belleza opulenta en un ambiente casero", como ella lo expresó. "Untitled (Mecox Bay and Field)" alrededor de 1958, con sus trazos sueltos sobre un fondo cremoso que huele a dunas de arena, es como un Bonnard explotado, líricamente la luz ambiental del East End en manchas de oro y verde refractadas como si fuera del agua. No se trata tanto de sentimentalismo como de reverencia. Aplanan el espacio entre el primer plano y el fondo, su falta de profundidad pictórica contribuye a una calidad de ingravidez, como un mundo que flota libremente atado pero distinto del visible. MAX LAKÍN

barrio chino

Hasta el 23 de abril. Dracula's Revenge, 23 Pell Street, segundo piso, Manhattan; draculasrevenge.net.

Las cinco obras de sidony o'neal en Dracula's Revenge analizan el argot de las funciones algebraicas y la poesía personal: su energía proviene de viajar entre los dos. Todas de 2023, las instalaciones y grabados tienen títulos como "U+220E 0" y "Mo osit". El nombre de una escultura delgada de acero aceitado, "Tabla hash 4 tensores como nosotros", invoca ingeniosamente el vocabulario de la informática: una "tabla hash" es una forma de búsqueda rápida para almacenar grandes conjuntos de datos, pero la escultura también es una tabla , como en muebles. Sus patas en forma de hoja de afeitar y su parte superior de cachemira distendida sugieren la estética de una tienda de cabeza: "hachís" como en hachís.

El lenguaje de las matemáticas abstractas subyace en el espectáculo; sus formas parecen describibles con ecuaciones ornamentadas. La forma fractal de alcance de la mesa, y de dos impresiones grises de piernas largas enmarcadas con madera dura inclinada, tienen la sensación de ser tiradas por vectores y ancladas por puntos. El llamado arte abstracto proviene de la cabeza del artista, mientras que las matemáticas abstractas (por ejemplo, la cuadrícula cartesiana) derivan del mundo observado; se encuentran aquí en una especie de filosofía salvaje, donde los cuerpos y los recuerdos tienen líneas de fuerza y ​​lugares apropiados en la matriz. "Generating fn", dos agujeros que se despliegan cortados toscamente en la mugrienta alfombra gris de la galería, aplica dos formas matemáticamente puras a la impureza del entorno construido, con manchas y todo; la imperfección del mundo refuta la abstracción del álgebra, mientras que el suelo también asume algo de la promesa de un plano perfecto. TRAVIS DIEHL

chelsea

Hasta el 22 de abril. Nicola Vassell Gallery, 138 10th Avenue, Manhattan; 212-463-5160, nicolavassell.com.

Antes, después, durante, hace mucho tiempo: es difícil determinar cuándo suceden las cosas para las figuras de Che Lovelace en su espectáculo "Bathers" en Nicola Vassell. No todas las pinturas enmarcadas, representadas aquí en acrílico sobre tabla, sugieren una narrativa, pero muchas sí, como "Pozas poco profundas" (2022), así que quiero ver una progresión temporal en ellas. ¿Son las dos mujeres que se abrazan en primer plano en la parte inferior de la pintura las mismas mujeres vistas por separado en la distancia que se aleja de la composición, tal vez en otro momento ese día, o en un futuro imaginado? A este lirismo mágico se suman las opciones formales de Lovelace, incluida la fractura casi cubista de cada escena en cuatro cuadrados iguales que no se alinean del todo. Tonos tan brillantes que son casi un zumbido chillón a través de lavados prismáticos. El tiempo lineal se detiene, luego se tambalea aturdido.

Nacido y radicado en Trinidad, Lovelace retrata a personas que habitan en las aguas del Caribe, pero más, se inclinan y estiran, se acuclillan o se sientan, posan con un brazo en jarras o echado sobre la cabeza, mientras que el otro brazo sostiene un torso lánguido. arqueándose como una luna creciente. El agua es un medio poético y transformador; a través de la mirada atenta de Lovelace, las rutinas, por lo demás prosaicas, de sus compatriotas trinitarios se vuelven líricas. Incluso nuestra mitología clásica heredada puede ser transmutada. En "The Gun" (2022), una figura mira atentamente a un estanque, pero la escena no es una versión de Narciso enamorándose de sí mismo. Más bien es un acto de buscar en esas profundidades algo pasado, anticuado que puede ser rescatado y renovado. SEPH RODNEY

tribeca

Hasta el 22 de abril. Galería PPOW, 392 Broadway, Manhattan; 212-647-1044, powgallery.com.

La excelente exhibición debut de Shellyne Rodríguez en PPOW es un arte francamente político calentado por tiernos detalles personales. La artista nació en el Bronx en 1977. Ese es el terreno en el que se enfoca en sus dibujos a lápiz de color fotográficamente precisos sobre papel negro. Y es un terreno amplio, mundial en población, rico en historia cultural.

Rodriquez lo describe ampliamente en tres grandes piezas de palabras e imágenes genéricamente tituladas "BX Third World Liberation Mixtape". Estilísticamente, están inspirados en los volantes de eventos de hip-hop de principios de la década de 1980 diseñados por el artista de folletos con sede en el Bronx Buddy Esquire. En cuanto a la composición, son entrelazados llenos de acción de figuras y palabras: letras, nombres de grupos de rap, números mágicos y nombres de lugares escritos en árabe, chino, inglés, bengalí, español y twi.

Cada "Mixtape" funciona como un punto nodal para una reunión de grandes retratos. Varios son vecinos de Rodríguez: dueños de bodegas, peluqueros, niños del patio de recreo. Otros son de amigos y mentores activistas: la erudita abolicionista Ruth Wilson Gilmore; el teórico queer Jasbir K. Puar; la ex matriarca de pandillas, ahora líder comunitaria Lorine Padilla. Como en las pinturas barrocas de santos, cada uno está representado con atributos simbólicos: Gilmore y Puar con libros; Padilla con un compacto altar de santería.

Así como el arte y la vida se encuentran en las pinturas, también lo hacen en la galería. Un altar real se encuentra en el suelo cerca del retrato de Padilla. Y Rodríguez ha convertido el espacio en un centro de estudio, una sala de lectura, con una mesa con literatura revolucionaria, bolígrafos y papel para tomar notas. Jala una silla. Estás en una compañía increíble. CHAVETA HOLANDA

chelsea

Hasta el 22 de abril. Paula Cooper Gallery, 534 West 21st Street, Manhattan, 212-255-1105; paulacoopergallery.com.

Las burbujas combinan la geometría de las esferas perfectas con los comportamientos caóticos de flotar, estallar, unirse y presionarse unos contra otros. En la docena de pinturas, cada una titulada "Espuma" (todas de 2023), Tauba Auerbach encuentra una masa de burbujas como un tema apropiado para su arte fríamente elegante. La exposición, titulada "Libre albedrío", es la primera exposición en una galería de la ciudad natal de este artista con sede en Nueva York desde el éxito de su exposición de encuesta del Museo de Arte Moderno de San Francisco de 2022. Las pinturas reproducen imágenes de espuma burbujeante fotografiadas a través de un microscopio, aquí pintadas usando acumulaciones de puntos puntillistas. Cuando se ven de cerca, se asemejan a mapas topográficos marcados con alfileres multicolores o incluso con piel de reptil.

Junto a las pinturas en cuatro mesas bajas de metal hay seis esculturas de vidrio con cuentas, todas también compartiendo un título, "Org" (2023 con una de 2022). En el frente de la galería, donde la luz entra a raudales desde la calle a través de las ventanas esmeriladas, hay siete arcos semicirculares de vidrio horneado montados sobre armaduras verticales de aluminio, nuevamente todos titulados "Encaje espontáneo" (2023). Estas medias lunas translúcidas cuentan con vidrio en polvo de colores que, después de calentarse, se ven delicadamente estampados, como encajes derretidos. Las esculturas de cuentas de mesa sugieren joyas minimalistas, así como modelos instructivos de moléculas complejas. Todas las obras de Auerbach aquí parecen capturar el orden en un momento antes de convertirse en caos, o viceversa. Las obras pueden parecer a simple vista casi fríamente científicas, pero ¿hay algo más humano que la lucha por mantener apenas el orden con gracia? JUAN VINCLER

barrio chino

Hasta el 15 de abril. Anonymous Gallery, 136 Baxter Street, Manhattan; 646-478-7112, galeríaanonima.com.

"¿Fotografía entonces?" El título de esta exposición colectiva hace referencia a las perennes exposiciones del museo ("Fotografía ahora") que intentan resumir el estado del arte. Los seis artistas aquí explotan la amplia fluidez cultural en el medio para enmarcar de diversas maneras la masculinidad estadounidense como tensa, pomposa y fuertemente construida. El retrato de Alyssa Kazew de cinco jóvenes musculosos y sin camisa parece retocado con Photoshop: incluso si se ganaron sus abdominales de la manera más difícil, sus cuerpos se ven extraños y tensos, separados de sus rostros risueños.

En esta muestra, la fotografía ha sido manipulada para manipular. Para la foto "Diciendo adiós", Jesse Gouveia escenificó un abrazo lloroso en el aeropuerto, el hijo abrazando al padre como si fuera la última vez. A medida que la extrañeza del momento se asienta, las etiquetas rojo cereza en sus ropas se abren paso y surge la extraña sensación de que podría ser un anuncio de Supreme x Levi's o un aeropuerto. Buck Ellison rellenó la "Tarjeta de Navidad n. ° 2" con significantes de clase alta; en cuanto a cómo vive la otra mitad, Chessa Subbiondo nos da una estrella de Instagram que posa como una Venus con shorts de jean recortados en la noche iluminada por un flash, frente a un Big 5 Sporting Goods, mientras que un chico torpe y asombrado detrás de ella derrama su bebida. Este es el mundo deseoso que hace la fotografía.

No todos los artistas de la muestra se identifican como fotógrafos. Cuando todo el mundo y su madre tienen una cámara digital de 12 megapíxeles en el bolsillo, la fotografía es una elección, no una vocación: "Fotografía, entonces". TRAVIS DIEHL

Lado este superior

Hasta el 15 de abril. Meredith Rosen Gallery, 11 East 78th Street, Manhattan; 212-655-9791, meredithrosengallery.com.

El pintor Rudolf Maeglin (1892-1971) creció en la clase media alta de Basilea, Suiza, y estudió medicina después de la secundaria. Sin embargo, trabajó como médico durante solo un año, antes de hacer una ruptura radical: decidió convertirse en artista. Maeglin pasó los siguientes ocho años viajando por Europa y estudiando arte. Luego regresó a Basilea, donde trabajó en fábricas químicas y obras de construcción. Esos lugares, y la gente que trabajaba allí, se convirtieron en sus súbditos.

Maeglin no trabajaba en soledad; en 1933, ayudó a fundar el antifascista Gruppe 33 y exhibió públicamente. Pero su arte no se ha visto mucho más allá de Suiza. Esta exposición es su primera salida en los Estados Unidos.

La muestra consiste enteramente en retratos, con efectos mixtos. Por un lado, falta el contexto más amplio de cómo estas personas pintadas se relacionan con las escenas arquitectónicas de Maeglin y, por lo tanto, con su proyecto de representación de la ciudad. Por otro lado, ver solo los retratos (pinturas al óleo pequeñas y coloridas a bordo) enfatiza lo seductores y modernos que son. Casi todos representan figuras planas, frontales, de cuerpo entero, casi todos hombres. Maeglin era gay, y hay más que una pizca de homoerotismo en los labios fruncidos y las caderas levantadas de sus sujetos. Especialmente en pinturas como "Controllore" (1960) y "Junge" (1961), obtuve una sensación de género como una actuación, no necesariamente por parte de los modelos, sino por parte de Maeglin. Estas no son representaciones románticas de la clase trabajadora o semejanzas fieles de las personas, sino estudios de personajes íntimos que se encuentran en algún punto intermedio. JILLIAN STEINHAUER

Una versión anterior de este artículo identificó erróneamente la ubicación del espectáculo de Rudolf Maeglin. Está en Meredith Rosen Gallery en 11 East 78th Street, no en 80th Street.

Cómo manejamos las correcciones

Holland Cotter es el crítico de arte cojefe de The Times. Escribe sobre una amplia gama de arte, antiguo y nuevo, y ha realizado extensos viajes a África y China. Fue galardonado con el Premio Pulitzer de crítica en 2009.

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